Arte y Tecnología / Andrés Piatek - Entrevista

Entrevista a Andrés Piatek: "Atacás a la tela en blanco y todo tu cuerpo piensa y todo tu mundo interno se asoma"

por Sol Salinas msolsalinas@hotmail.com

Como bien explica en “Después del fin del arte”, Arthur Danto funda su modelo en el concepto de Bildungsroman: un concepto que proviene de la literatura y que se refiere a la novela de formación surgida en Alemania. Novela que desarrolla la historia de un personaje en etapas -generalmente desde la niñez y hasta su madurez- y que culmina cuando el héroe llega a autoconocerse por completo. Cada etapa se propone como superadora de la anterior, presentándose como verdadera y sosteniendo una idea de progreso y evolución.

Llegado este momento, el héroe (el arte en este caso) se libera. En cierto sentido la vida comienza realmente cuando la historia llega a un fin.

Danto sostiene que en la historia del arte occidental el punto de inflexión o fin de la historia está dado por el desarrollo del modernismo. El cual propone la abstracción porque propone el abandono de cualquier referente externo. Ya no más arte como copia ni como representación: ARTE COMO PRESENTACIÓN. Para ello, el pleno conocimiento del medio, el estudio de las formas y de la especificidad de cada disciplina. El contenido de las obras está dado por su forma -contenido formado- porque las obras se refieren a sí mismas alcanzando la instancia autocrítica a partir de la cual se produce la liberación.

De esta manera, el arte contemporáneo se desarrolla fuera de la historia oponiéndose a las ideas de progreso y evolución. El arte poshistórico no se opone al arte de otros tiempos sino que, muy por el contrario, se sirve libremente del arte del pasado interiorizando la riqueza de su propio recorrido histórico. Aquí no existe linealidad, ni idea de desarrollo. No existe el estilo a seguir ni ningún tipo de principio rector porque el pluralismo y lo múltiple serán algunas de sus principales características.

¿Podemos decir que tu trabajo se enmarca dentro del expresionismo abstracto?

Sí, sí, podemos decirlo como para encasillar el trabajo de alguna manera. Aunque no sé exactamente qué es el expresionismo abstracto, pero sé que algo de eso tiene mi trabajo por la necesidad que tengo de trabajar conectado con el cuerpo.

¿Por qué te interesa investigar ese estilo?

Me interesó mirando. Mirando, mirando mucho me enamoré de algunos pintores como los del Grupo Cobra, Pollock. Yo en verdad era dibujante, o al menos más dibujante que pintor, pero entendí la espontaneidad, la alegría. Sentí el aire que se siente viendo este tipo de pinturas y después, pintando, me sentí felíz. Obviamente que una vez que te sentís así no podés negar eso. Yo necesito hacer un cuadro y sentirme exhausto, porque siento que estoy dando todo.

¿Queda la marca del cuerpo en el cuadro?

Sí, el artista pinta con el cuerpo, desde el dedo de la mano hasta el talón del pie. Este estilo te lleva a eso, a ese estado que no es mejor que el figurativo o que otros estados, simplemente es distinto. Yo lo disfruto mucho. Después puedo quedar conforme o no con la obra. Pocas veces me siento conforme, pero tampoco reniego. Es simplemente un día más de trabajo. Son años, años y años de trabajo. No es de repente, es necesario trabajar y tener mucha convicción.

¿De qué estás convencido?

De muy poco…

¿De nada?

No, hay algo de lo que estoy convencido: no podría hacer otra cosa que esto.

EN EL SITIO WEB DE PIATEK SE LEE:

ANDRÉS PIATEK, EL GESTO COMO CONCEPTO

Los que creen en la posmodernidad al aplicarla a la historia de la pintura hacen coincidir su inicio con el fin de un proceso de sucesivas vanguardias que comenzó con el romanticismo y terminó con el arte conceptual. En consecuencia asocian posmodernidad, no sólo con el fin de la historia de la modernidad, sino, también con el fin de la historia del arte y con particular énfasis con la muerte de la pintura. (…) Convencido yo de que es cierto el fin del proceso de las vanguardias a mediados de la década de los sesenta no creo, sin embargo, en las afirmaciones necrológicas; creo, en cambio, en que allí se inició una etapa de reconsideraciones de la propia modernidad. (…) Un ejemplo de ello es la obra de Andrés Piatek. La experiencia de la pintura gestual al servicio de una concepción abstracta y la imagen objetiva provista por la fotografía polemizan en ella. Ya no se trata de la exaltación del gesto en un camino cada vez más desprovisto de imagen sino la elaboración de una nueva imagen en base al gesto como instrumento. Como él mismo dice es su gesto y como tal únicamente suyo. Pero, además, es su planteo tan vigoroso como el gesto mismo. Se trata de un planteo inteligente y apasionado o de una pasión conceptualizada.

Luis Felipe Noé, 2007 en http://www.andrespiatek.com.ar

Leí una crítica acerca de tu obra que escribió Felipe Noé y me quedé con las últimas palabras: Se trata de un planteo inteligente y apasionado o de una pasión conceptualizada. ¿Te parece que tus obras trabajan las relación entre el pensar y el sentir? ¿Pensar y sentir son actividades opuestas, que se contraponen?

Mirá una vez Noé me dijo: tu pintura es muy gestual y libre, pero a veces parece demasiado pensada de antemano; nunca pienses ni antes ni después. Pensá siempre durante el proceso de la obra.

Entonces el pensar y el sentir van de la mano…

Mucho más de lo que creemos. Así como cada obra suele tener mucho más trabajo del que uno cree.

Dijiste que existe una relación entre sentir y pensar y que pintás con todo el cuerpo, ¿el cuerpo piensa?

Mmmm. Creo que puede pensar… En mi caso siento que mi cuerpo siente más de lo que piensa. Quizás necesite equilibrar más ese sentir con el pensar para crecer como artista, que sean UNO y ganar fuerza.

Te pregunto porque, escuchándote, pensé en Steve Paxton, un coreógrafo y bailarín que propuso el Contact Improvisation. Él explicó que, cuando estamos perdidos, nos tenemos que relacionar apropiadamente con condiciones desconocidas y cambiantes. En este sentido, el Contact hace pensar al cuerpo.

Desde mi mundo puedo decirte que es muy difícil enfrentarse a la tela en blanco. Yo a, veces, escucho de bloqueos y pienso que eso le sucede a un tipo que no alcanzó cierta seriedad con respecto al arte. Si te dedicás en serio, no te da miedo; te interesa lo desconocido, el bastidor en blanco. Atacás a la tela en blanco y todo tu cuerpo piensa y todo tu mundo interno se asoma.

¿Te parece que existe algún estilo verdadero, algún estilo dominante?

No, no, no creo que un estilo pueda ser mejor que otro. Simplemente, llega un momento en que uno elige y yo elegí el bastidor enorme, trabajar con lo espontáneo del gesto. Pero no sabía si me iba a desempeñar bien, si iba a sentir felicidad. Todo estilo, todo lo que haga una persona con honestidad y amor es digno de respeto. Yo admiro a casi todos los artistas, desde los comienzos de la historia, desde los egipcios hasta mi amigo de la vuelta que también pinta.

¿La pintura fue evolucionando a lo largo de la historia?

Hay algo de evolución en el sentido de que uno se siente una flecha que va hacia delante. Pero, después, uno se da cuenta de que todo gira, de que todo está inventado al tiempo que todo está por hacerse. No sé si creo en la evolución, tal vez estamos involucionando. Quizás, lo bueno aún no sucedió, pero si tampoco es así, tampoco está mal. Yo pienso que, en arte, lo importante está en el trayecto. Evoluciones o no, lo logres o no: lo divertido es el proceso.

Otra idea que tomé de la crítica que escribió Noé: La experiencia de la pintura gestual al servicio de una concepción abstracta y la imagen objetiva provista por la fotografía polemizan en ella. ¿Qué te llevó a incluir fotografías en tus pinturas? ¿Pensaste algún tipo de relación especial entre pintura y fotografía?

Mirá, como recién te dije, por un lado ya está todo inventado. Hay un pintor llamado Arnulf Rainer que experimentó con farsas faciales. Se fotografió haciendo muecas y luego trabajó con tinta por encima de la cara. Yo sentí admiración hacia él y decidí utilizar la fotografía, pero dejándole más superficie al gesto que a la foto. Utilicé la fotografía como autorretrato, pero sólo como punto inicial. La fotografía es sólo un momento. Pensá en una obra muy gestual en la que encontrás una mirada o un brazo. Es algo sutil y pequeño. Censuro a la fotografía y la dejo convivir con el gesto. Quise generar conflicto en el espectador para atraparlo. Mi intención es crear un caos para que el espectador lo equilibre. La pintura sola, sin que alguien la mire, no puede… Entonces pensé en criticar a la sociedad en general pero no puse a otra figura, sino que me puse a mí mismo. Fotos mías, como primer ejemplo. Siento que, como sociedad, nos falta autocrítica. Pensé en la sociedad argentina, que se mira poco a sí misma. De aquí también la inclusión de la fotografía y de mí mismo. Arnulf Rainer también se fotografiaba a sí mismo, pero bajo el estado de drogas y ácidos. Yo tomé su idea plástica, pero con otras intenciones; intento una actitud autocrítica que parte de mirarse a uno mismo.

¿Por eso las fotos de ojos?

Los ojos siempre me llamaron la atención, pero no sólo los míos. En mis trabajos uso los míos como forma de hacerme cargo, pero me fascinan los ojos en general. Me gusta mirar a las personas a los ojos, quizás necesito mirar porque soy artista plástico, pero también lo pienso en un sentido poético. No quiero sonar cursi, pero también pienso en esto de valorar sólo lo de afuera, sólo lo que se ve. El ojo comete este error.

Pero tu trabajo no se queda sólo en lo visual, también propone lo táctil.

Sí, sí, trabajo con texturas, porque las relaciono con lo visceral. La carga de materia tiene que ver con el expresionismo. No es lo mismo una estampa japonesa o un caracter chino en blanco y negro que no posee textura y que me trae estados de paz -aunque se refieran a las guerras y a la violencia-. La diferencia está en que la mano que realizó esa estampa o caracter está en un estado distinto al que tal vez ningún occidental jamás pueda llegar. Y el uso del color. Vos fijate que Picasso pintó el Guernica en blanco y negro. Como te expliqué antes, yo comencé a interesarme por la pintura de posguerra, que posee espesor porque trabaja con la furia. Yo uso texturas, porque siento que necesito gritar un poco, este mundo me lleva a eso. Lo visceral, la violencia, la profundidad que va de la mano del golpe, la huella, el chorreado. No es que pretendo que el que se encuentre con mis trabajos sienta lo mismo que yo, cada uno tendrá su propia experiencia y eso es justamente lo rico. La textura tiene que ver con lo interno…

Pero vos también trabajas con fotos, con ojos, con tu mundo interno en un contexto.

Uno, por ser artista, no es especial. Este es un trabajo como cualquier otro y me interesa lo que me rodea. Siempre me interesé por lo social. Todo es social, porque existimos en una sociedad. No creo que pueda cambiar el mundo con mi trabajo pero…

Podés señalar algo.

Señalar algo está buenísimo, por eso me gustan los señaladotes.

Jajajajaj!

Señalar es muy interesante. Si vos ponés a alguien que vivió encerrado en cuatro paredes y que nunca leyó ni vió nada frente al Guernica, te aseguro que esa persona puede decirte que algo malo está pasando.

Conozco una anécdota - que no sé si es cierta – que cuenta que un alemán vió el Guernica y gritó: ¿QUIEN HIZO ESTE DESASTRE? A lo que Picasso respondió: USTEDES.

Es verdad, pero fue más trágico. Los nazis irrumpieron en su estudio y revolvieron sus postales, y uno de ellos tomó una postal del Guernica y Picasso no dudó en responder. Fue un gran artista y por eso pintó como pintó, y rompió tanto en tantas obras.

En unos días te vas de viaje a Europa (la entrevista fue realizada en diciembre), ¿llevás tus obras? ¿Vas a exponer en algún lugar?

Sí, yo quiero encontrarme con obras que sólo conozco a través de libros y también quiero mostrar mi trabajo. Aunque será difícil en tan poco tiempo. Ya tengo un par de lugares a los que accedí vía email. Voy a llevar muchos dibujos, que no sé por qué pero es algo que me están pidiendo mucho. Durante mucho tiempo el dibujo estuvo instalado como algo menor, pero ahora lo están pidiendo mucho. También llevaré pinturas, enrolladas y escondidas por ahí. Nunca se sabe…

Nunca se sabe, ¿tiene que ver con enfrentrarse a la tela en blanco? ¿Hay algo de azaroso en esto?

El azar, pero también mucho trabajo. A mi modo de ver, cuanto uno más trabaja, más suerte tiene.

Estaba pensando en el azar en el sentido de esto que me decías de no pensar previamente…

Sí, para mí es difícil pensar durante, porque nadie te explica como hacerlo. Yo le tengo mucha fe a la práctica, a la experiencia.

¿Estamos entrenados para no pensar durante? ¿Para pensar sólo antes o después?

Sí, por eso la disciplina es importante. Es imprescindible para aprender a conectarse con lo que uno está haciendo. Picasso decía YO NO BUSCO, ENCUENTRO.

Te vas con tus trabajos y vas a encontrarte con obras que te interesan. ¿El encuentro directo con la obra es insustituible? ¿La tecnología reemplaza a la experiencia? ¿La tecnología nos acerca o nos aleja de las obras?

La tecnología puede acercarte, todo puede ser bueno. Es, simplemente, una herramienta más. Puede matar muchas cosas ricas, pero también puede traerme nuevos recursos. Yo puedo ver un video de Karel Appel pintando por internet, conocer artistas nuevos.

En el caso de la pintura, ¿hay una partecita irremplazable por la cual tenés que viajar tanto?

Claro, no es lo mismo ver una pintura en un papel de impresión barato que ver las pinceladas… Ahora yo te pregunto a vos: Si mediante un email logro que una galería europea acepte exponer obras mías, ¿puedo pensar en la tecnología como algo que sólo aleja?

¡¡¡¡Noooooo!!!! Claro que no! Voy al baño, pero primero te digo que lo que yo pensé es que la pintura propone una obra que es única, original. Todo lo contrario que la fotografía, en la que todas las copias son auténticas, todos los ejemplares son originales. ¿Pensaste en esto al incluir fotografías?

Si, entiendo pero yo no pensé en esto al incluir fotografías. Lo pensé como una polémica. La foto en la pintura hace que esa foto sea original. A mí me gusta la idea de lo original en el sentido en que propone una experiencia única e irrepetible.

¿Vos podés pintar dos veces el mismo cuadro? ¿Podés hacer dos cuadros exactamente iguales?

No, y eso me gusta de este estilo. Puedo sacarle una fotocopia a alguna de mis pinturas, pero sería otro objeto distinto. Sería trabajar con la reproducción en serie y la acumulación, como lo hizo Warhol. Es hacer y decir otras cosas. Yo respeto todo, nada es mejor ni peor, realmente. Respeto el trabajo, respeto al artista que no se traiciona a sí mismo, valoro el oficio, valoro también la tecnología. No la globalización y las modas.

¿Existe algún estilo de moda en este momento?

No, no realmente. Existen tendencias, fuerzas, pero ninguna me parece más verdadera que la otra. Qué sirve, qué no sirve….¡¡¡¡¡ahhh!!!!! ¡¡¡¡Si lo supiera no te lo diría!!!!

¡Jajjajajaja!

Recursos Web:

http://www.andrespiatek.com.ar - Sitio Oficial de Andrés Piatek

http://es.wikipedia.org/wiki/Arnulf_Rainer - Arnulf Rainer

http://www.masdearte.com/ - Grupo Cobra

http://www.jacksonpollock.org/ - Jackson Pollock

http://www.imageandart.com/ - Expresionismo Abstracto

http://www.pagina12.com.ar/diario/especiales/index-2008-11-10.html - Entrevista a Luis Felipe Noé

www.imaginacionatrapada.com.ar
6/02/2009

       
 
 
       

¡IMPORTANTE!: Este artículo que está/s leyendo, los listados a continuación y los que se encuentran en este link, pertenecen a la sección de Arte y Tecnología de Imaginación Atrapada discontinuada el 15 de mayo de 2009. Las notas publicadas luego de esa fecha se encuentran en la nueva sección de Arte y Tecnología. Para ir a la nueva sección, clickear aquí o en el menú superior.

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