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Imperativo de Captura - Marikena Gagliardi

Entrevista Makarena Gagliardi: "Es más difícil animarse a ver, a sentir"

por Diego Braude dbraude@imaginacionatrapada.com.ar

Lugar:
Masottatorres -nodo de arte contemporáneo - México 459 (www.masottatorres.com.ar)

http://www.makarenagagliardi.com.ar/

Asociación Libre:

---“Carcel de amor”: Dime quién eres y quién te hizo, mujer - por Diego Braude

--- Joel Peter Witkin: El cuerpo que retorna - por Diego Braude

Un día de calor extenuante, lo que parece una frase repetida. Un día, también, en el cual el cansancio hizo que me olvidara fechas de entrega y me tuvo corriendo por la ciudad de manera un poco maníaca (un estado que últimamente se ha vuelto recurrente). En el trabajo, todo ordenado, en la vida social, algunas metidas de pata producto del acelere. Es estar buscando, encontrar, sentir, sorprenderse, sentirse vulnerable (con lo que eso implica); pero, también, el estar corriendo, apresurar todo por temor a que se disipe. El aprendizaje es arriesgarse al error, al chichón, sea por apurarse y seguir de largo, o por el miedo a la sensación (al placer, al dolor)… pero la realidad nos enseña que hay que vivir con armadura, se nos endurece, nos endurecemos.

No, “Imperativo de Captura” no va a cambiar la historia del arte, pero, para entrar a la obra, es necesario detenerse, percibir, sentir. Una muestra, usualmente, puede recorrerse en apenas unos segundos, el espectador hace zapping y sigue. Pero acá, una de las excepciones, hay que exponerse, aunque sea un poquito. Y la charla (con esta cineasta, videasta, productora freelance para la BBC y documentales europeos, artista plástica), que es un poco un recorrido serpenteante, que, por momentos puede sonar algo delirante, es sobre eso: sentir, aprender, errar, seguir adelante, empezar de nuevo.

Makarena Gagliardi: Hay algo del no-apremio que es sabio, se llega. Aunque vivimos en este mundo de globalización, donde hay que correr, ser productivo, etcétera.

[…] La intuición es una guía fundamental en el arte. Hay un montón de veces que el artista ni siquiera sabe lo que está haciendo, hasta un tiempo después de haberlo hecho.

- Hace poco, alguien me gastaba porque yo le decía que la obra te encuentra. Digo, que podés estar buscando como loco y, en algún momento dejás, aflojás, y ahí aparece delante tuyo algo que por ahí parece tan obvio. Y, cuando aparece, es, además, como un feedback, porque vos proponés, y en base a lo que ves…

MG: …seguís re-construyendo. Sí, yo también tengo esa manera de trabajar. Por ejemplo, mi corto anterior fue un proceso muy largo. Escribí un guión, pero después las imágenes que filmé me devolvieron otra cosa. Cuando me puse a editar, uno de los chicos me dice “esto no tiene un carajo que ver con lo que me dijiste a mí cuando empezamos” (risas). […] Tenía mucho que ver con lo que había escrito, aunque era distinto. Las imágenes estaban pidiendo y era necio  imponer el guión original. Para que estos procesos fluyan, se necesita tiempo.

- También depende del compromiso afectivo que le pongas, de cuán dispuesto estás a que este proceso de ida y vuelta se dé. Yo creo que la experiencia artística, desde la producción o como espectador, se da cuando uno conecta. Como espectador, me pasa que eso ocurre cuando lo que propone el autor (o los autores) no es una mera pose, o una construcción puramente intelectual, tiene que haber algo más, como una carnadura (que puede ser más obvia o más sutil), lo que yo llamo cierta “sinceridad”. Si no, es como que uno se queda lejos (y, para ver de lejos, por miedo o por lo que sea, para alejarnos, situaciones sobran). Y tampoco el puro efecto, es como que algo pasa, algo de lo que te ocurre en ese momento (o momentos) que te lo llevás puesto.

MG: Hay una “puesta en juego”, así lo diría Bataille, por lo tanto hay derroche, pérdida a sabiendas o no. Una fisura filtra y produce aura. Para mí, eso es arte, aplicable tanto al ejecutor como al observador de una obra.

- Yo, por eso, prefiero hablar de “experiencia artística” (que sirve tanto para el productor de la obra como para el espectador)

(Excursus. Entrevistada y entrevistador se ponen a hablar del uso de tecnología – aparecen los nombres de Janet Cardiff y Chantall Ackerman como ejemplos de la tecnología utilizada como elemento orgánico y discursivo de la obra -, también de lo lúdico como algo que no debe ser un fin en sí mismo. La pareja de la entrevistada, Matías Gibaut, también artista visual y diseñador gráfico, se integra a la charla. Matías se encargó de la producción general y la gráfica de “Imperativo de Captura”)

- ¿Cómo fue el proceso de “Imperativo de Captura”?

MG: Fue otro proceso largo. Íbamos mucho en bicicleta a la Reserva Ecológica con Matías a trabajar cada uno con su fotografía, y yo con la Super 8 también. En ese momento, estaba leyendo ciertos autores -Agamben, Tarkosvski, Di Benedetto, Nancy- y quería trabajar nudos y agujeros, un interés topográfico. Fotografiaba con macro, veía agujeros y nudos en todas partes.

- Didascalia para la entrevista: Matías se ríe.

(risas)

MG: El macro es un lente con magia, podés trabajar imágenes muy sugestivas. Primero estuvo el libro. La idea era armar una carpeta para ir a buscar espacios y terminamos haciendo un libro (risas). Como te decía, siempre leo textos de filosofía, de ficción, relacionados a mi producción. El movimiento era otro de los temas que rondaba en mi cabeza. No sé si tocaste el libro (que es parte de la instalación).

- Sí

MG: Empezó como un libro, y ahora son siete menos uno.

Matías: Siete iguales y únicos. (risas)

MG: Y la multiplicidad del azar, una cosa puede ser igual y distinta. Además de las fotos, conversábamos sobre lo que veíamos, sobre lo que nos pasaba, sobre nuestras lecturas. Matías estaba trabajando un texto de Barthes y otro de Soulages. Barthes, en su libro La cámara lúcida, si bien habla del azar de la foto,  también dice “esto ha sido”. Para mí, lo que está en el papel Es y la mirada Es velo. Sólo después uno ve. […] Y así es como empecé “Imperativo de Captura”. Me acordé también que algunas teorías de foto se centran en el aparato de base, en el ojo  mecánico de la cámara, como si el sujeto se congelara. Pero el sujeto se filtra, está en el papel o en el celuloide, es.

M: En al segunda parte del libro, Barthes trabaja el duelo, la muerte de un ser amado. Por eso “esto ha sido”, porque ya no volverá a ser jamás. La toma fotográfica o de cine tiene lago de eso, una vez revelada no vuelve a repetirse. Soulages agrega a la frase de Barthes un participio y le confiere acción: “esto ha sido actuado”. Dice que todo lo que está puesto en cámara es actuado, que el simple hecho de reportar implica una puesta en escena.

MG: La experiencia artística es como decíamos una puesta en juego y quizás esto implica una puesta en escena, y un disparo único e irrepetible. Por ejemplo, “Imperativo de Captura” fue un proyecto de un año y medio casi, entre sacar fotos, filmar, editar, buscar donde exhibir. Tenía que ser un espacio súper particular, era complejo. Recién en mayo de este año (2007) llegué a MasottaTorres. Damián (Masotta) me invita a recorrer el lugar: un espacio amplísimo arriba con una columna redonda y roja. En la parte inferior, otro espacio muy blanco, algunos recovecos, una pared muy larga al fondo con  una puerta pequeña de metal también blanca. Yo pensando “el espacio es buenísimo pero no lo que busco y va a ser casi imposible lo que quiero”. Damián dice “Y acá, esta puerta…”, ¡pum! (risas). Al abrir la puerta, entrás a un corredor de seis metros de largo por setenta centímetros de ancho. “¡No lo puedo creer, es lo que yo trabajo, escombros, ruina, humedad, aislamiento, encierro, captura”. Fue un encuentro. Soñé con el espacio todo el fin de semana y llamé a Damián: “Por favor, decime si te interesa mi propuesta porque si decís no, tengo que buscar ya otro espacio y rever las cosas, va a ser imposible encontrar lugar mejor. Si me decís que sí, me pongo a trabajar en la edición del corto.” Y Damián se interesó, él tiene mucha sensibilidad, vio mis ganas, había mucho del proyecto ya trabajado y estaba dispuesta a seguir.

M: El devenir.

MG: Sí, el acontecer, el materialismo del encuentro. El libro, las fotos y las lecturas, me llevaron al texto. El texto, las fotos, nuevas lecturas y películas muy variadas como “El señor de las moscas” de Brook, “Hamaca Paraguaya” de Paz Encina, “La Infancia de Iván” y “Nostalgia” de Tarkovski me llevaron a las imágenes blanco y negro del Súper 8. Tenía mucho material, había que hacer telecine y digitalizar, seleccionar, construir la arqueología del corto y de la instalación toda. Vos hacés instalaciones, sabés que al comienzo es un tema juntar determinados objetos sin que parezca arbitrario. “¿Cómo hago para poner un televisor, un libro, una foto, un texto y que la gente entre al pasillo?”

M: El material en Súper 8 lo filmaba al mismo tiempo que sacaba las fotos. Era lógico que se junten. […] Hay tres ejes en esta obra de Makarena y en lo que venimos conversando. La relación libro-video-espacio, el azar de la captura fotográfica -el punctum de Barthes- y la edición según la definición de Soulages. En un capítulo llamado “La realización”, considera que la obra se realiza en la edición, no en la captura. […] Habla de “series de combinaciones posibles” de las fotos. En el libro de “Imperativo…” está bien claro. Una combinación entre el azar y la edición. Por ejemplo, volviendo al tema de la puesta, muchas fotos importantes de la Historia de la Fotografía son trucadas. El mismo Cartier Bresson parece que reencuadraba (pese a su legendaria posición de que todo estaba depositado en el momento de la toma fotográfica).

(La charla se inclina sobre la necesidad de puristas que conserven alguna forma de tradición de la cual, precisamente, diferenciarse, o si el purismo es una versión cristalizada que, en ese sentido, no sirve como base)

(Volviendo a “Imperativo de Captura”)

- Te tenés que quedar un rato ahí adentro, para que te pase… digo, empezás a escuchar los ruidos, el tema del encierro, que lo que estás viendo (encerrado) son imágenes de exteriores…

MG: Sí, y la mirada dirigida como decís en tu nota “La imaginación como escape al laberinto”, y la vuelta que das al final: cerrar los ojos para apoderarse de la obra.

- Me pareció que tenía que ver con que estamos muy acostumbrados a andar siempre con los ojos “abiertos”, sin realmente estar viendo o escuchando; en realidad, estamos corriendo todo el día. Y esta obra, como aquella que te decía de Chantall Ackerman (que se expuso en el MALBA hace dos años, donde una multiplicidad de televisores reproducían imágenes sencillas, aparentemente sin conexión pero que, con el tiempo, cobraban un ritmo y un sentido sobre los cuerpos ubicados en los planos), que si vos pasabas y mirabas todo en treinta segundos, decías “esta mina es una tarada”, porque parecía que le habían dado veinte televisores para que mostrara cualquier cosa. Y, entonces, está esta cuestión de detenerse. Con “Imperativo de Captura” pasa eso desde un lugar que a mi me interesa mucho, que es lo de “espacio inmersivo”. Si entrás, estás envuelto y algo te va a pasar, por más chiquito que sea, porque es muy difícil abstraerse.

(Elipsis)

MG: Para mí, estar conectada con el arte, es estar conectada todos los días de maneras distintas, aunque no esté sacando una foto o filmando en la Súper 8. El arte hace a lo cotidiano. […] Yo te hablaba de lo difícil que es animarse a ser artista, no creo que sea algo que me pase sólo a mí. A muchos artistas, hasta cuando tienen 80 años. Marguerite Duras decía: "Escribir es tratar de saber lo que uno escribiría si uno escribiera".

(Elipsis II – hablando del compromiso, el entrevistador introduce una anécdota sobre el fotógrafo James Nachtwey)

M: Hay morbo en la cámara fotográfica

- Pero seguro…

M: Ese ojo capturador…

- Para ser fotógrafo hay que ser voyeur y medio morbo

M: ¿Por qué pararía uno de fotografiar?, ¿por qué realmente se deja de sacar fotos, por inhibición?

- Ahí es donde vos ponés el límite. Por ejemplo, para él (Nachtwey), “mi trabajo es mirar”, y, a través de ese mirar, conseguir que, en el mejor de los casos, a alguien se le mueva algo

M: Claro, pero ahí es distinto, hay comunicación.

- Pero es que en la fotografía, en cierta manera, vos siempre algo estás comunicando

MG: Sobre todo, si es fotografía periodística.

M: Donde se trabaja con el significado de la foto. Pero en el arte,  se trabaja con el significante. Uno dispara, no maneja, se apunta a cierta sensibilidad…

MG: Tal cual, el fotoperiodismo es significado, y el arte es significante. No hay mensaje, es otra codificación. La gente puede captar algo que vos pudiste poner adrede o algo que vos ni sabías, que nunca se te había ocurrido. […]

- Es un intento

MG: Bueno, por supuesto.

- El fotoperiodismo busca cerrar. Cuando Nachtwey dice “yo quiero transmitir esto”, él no tiene ninguna certeza que eso ocurra, pero lo intenta, y por eso encuadra de determinada manera, por eso se toma dos horas para hacer una toma, etc. En cambio con la obra, buscás abrir. Pero esta apertura no viene automática, no viene de hacerse el loco, sino que, como te decía antes, tiene que ver también con cierto nivel de sinceridad y compromiso personal a la hora de producir; si no, vos fijate que se produce una distancia entre el espectador y la obra.

M: Claro, si no están las cosas que generan impacto, y a los dos minutos puf… nada.

MG: Quiero retomar algo. Cuando hablaba de lo difícil de ser artista, me parece que ahí también hay una puesta en juego, […] que animarse (a ser artista) también es animarse a soportar todo esto que uno puede llegar a ver, que es mucho más fácil preferir no verlo, así como es más fácil pasar por alto la puerta de “Imperativo de Captura” y no entrar, como vos decís en la nota.

- Es que hay una cuestión lógica: la vida cotidiana es pragmática y económica. Ver y saber que las cosas son de una determinada manera, y levantarte, a pesar de eso, todos los días y realizar determinadas acciones, e incluso poder disfrutar, toma un laburo. No significa que es menos meritorio el que agacha la cabeza y sale a laburar, para nada, pero también hay una “lliberación” en aceptar “esto es como es”. Como plantea Zizek en uno de sus primeros libros (“El Sublime Objeto de la Ideología”), vivir con la carga de que sos responsable de todo, de todo, de todo (en el sentido de “vivo en un sistema, porque, en algún punto, acepto concientemente vivir en él pese a todo lo que sé de él”), es algo muy pesado y difícil de sobrellevar. Cuando un sistema te pide que te dejes llevar por ese mismo sistema, si lo hacés, realmente es “liberador”, porque dejás de ir contra la corriente…

MG: El arte es ir contra la corriente. Al final de tu nota cuando proponés cerrar los ojos como única salida de la dirección impuesta en la instalación. No me había dado cuenta que en “Imperativo de Captura” está también en juego el ejercicio de rebelarse, quizás por eso sea más pesado. Es más difícil animarse a ver, a sentir.

[…] Quería decir algo más sobre el apremio. El arte es el único espacio donde puedo no correr. Un día hablaba con otra artista, le contaba que esperaba conseguir lugar (galería), y me preguntó “¿cómo hacés con la ansiedad?” (risas). Trabajando, me pone en una sintonía que me gusta, yo podría seguir trabajando… En relación al apremio, como decíamos al comienzo, detenerse para hacer, experimentar, mirar, ¿no?

(silencio)

- Perfecto

risas)

www.imaginacionatrapada.com.ar
7/01/2008

       
 
 
       

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