“Hernanito”: Todas las voces, todas

“Ahora bien: imaginemos la difícil infancia de un niñito cuyo padre dedica más tiempo a un títere que a él. Puede haber sido de verdad tremenda. Tan tremenda como la suerte de Chirolita: ahora todos temen por su integridad. Chirola le arruinó la niñez al hijo de Chasman, y el pibe no quiere saber nada de ventriloquía” LA NACION, 02/07/00

El planteo es, aparentemente, simple. Tenemos factores A y B en C. A, un industrial duelo de una pequeña fábrica de piezas metálicas. B, postulante a la única vacante laboral en la empresa de A. C, entonces, es la fábrica de A, donde desempeñará tareas B. Complicación: caja fuerte en oficina de A. Factor X encerrado en caja fuerte en oficina. Factor X, entonces, opera desde el encierro. A y B en C, rutina de trabajo, intercambian cosmovisiones, opiniones religiosas y futboleras. A no es igual a B. Ni parecido. Pero es pieza esquizo-industrial. A no será sólo A. A es igual a X. Partes alternas, complementarias. X empuja por salir. A empuja para que no salga. Todo ocurre en C. Todo el tiempo B observa. No entiende. Maquinarias, chat y foros, mesa de ping

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“Pieza para pequeño efecto”: Perforando la cuarta pared

¿Como construir un pequeño efecto? (Paso uno) ¿Que realizar con ese pequeño efecto? (Paso dos). El punto es sólo el comienzo, el objetivo es la desintegración absoluta del intérprete en miles de partículas.

La obra se propone como un juego meta-textual, donde a través de la reiteración de la misma escena en distintos formatos (la escena, el video), se vuelve sobre los pasos del proceso creativo para volver a construirlo y exponerlo cada vez. El tema es sólo una excusa.

Los distintos niveles que se despliegan en este juego resultan de la exposición tanto del material como de los intérpretes. Fabián Gandini se dirige a nosotros, a la vez que presenta el proceso de construcción de este pequeño efecto, y se presenta a sí mismo como intérprete de la representación. Germán Cunese opera las luces y asiste a a Fabián durante la construcción del efecto. Entre estos diferentes niveles se teje una delgada línea que, por momentos, se confunde generando una vuelta sobre la representación misma que busca descomponer.

¿Es realmente tan delgada la línea que nos separa de la representación?

Cuando los intérpretes se presentan ante nosotros, el corte entre lo cotidiano y lo espectacular parece no existir,

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“La Plaza del Diamante”: Y a pesar de todo, los pájaros siguen volando

Una mujer sentada en un banco de plaza cuenta, o recuerda, o algo así… Pienso en “Harina”, la de Román Podolsky. Sin embargo, aquella era una mujer que bien podía ser un fantasma que se negaba a partir, que era el rastro de lo que alguna vez había estado allí. Esta mujer, al contrario, quizás se anima a “estar” por primera vez y, por eso, necesita desesperadamente narrarse. Por eso habla y no puede parar, no quiere, por primera vez…

Está sentada en una plaza, aquella donde, probablemente, haya comenzado todo para ella. La luz baña la escena, suave, amable. Las hojas caídas y la tierra la rodean. Para poder irse, a veces es necesario primero volver…

Es el relato de una vida llena de penas y sufrimientos pero, sobre todo, de silencios (¿miedos quizás? no estoy seguro…). Es la historia de una vida donde el cuerpo de ella nunca fue asumido como propio, y los hechos, por más terribles que resultaran, fueron tomados como naturales. Es en los gestos pequeños, como el de comer medio caramelo para terminar la otra mitad más tarde, o en los hombros que siguen tirando para adentro, donde se

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La Entrevista (Nahuel Cano – 1ra parte)

Personajes:

Nahuel Cano –entrevistado- Sol Salinas -entrevistadora-

PRIMERA ESCENA: LOS CUERPOS

BUENOS AIRES – NOCHE – Palermo – Club Estrella de Maldonado

Es sábado y son las nueve y media. Espero en un vestuario azulado. Sobre la mesa: sandwiches de miga, ginebra, jugo y gaseosa. Trato de captar todos los detalles, de estar atenta y despierta (algo en esta espera, en este club me tira, me atrapa), todo puede ser material para la entrevista.

Dan sala y comienza la función:

“UN HUECO”

***

Estoy esperando a Nahuel. Pienso – pensar no sería exactamente la palabra – mucho en la función.

Me dejé devorar por el ambiente mortuorio que la obra impuso en mi cuerpo y lo mejor es que no me molesta tanto… no me molesta nada…

Mi primera pregunta… la tenía pensadísima y preparada pero ya no me gusta tanto. Trato de recapitular un poco, ¿qué me llevó a estar acá? ¿Por qué hago esta entrevista? Pienso en Nahuel como profesor, como actor, como director, pienso en lo que conozco de su recorrido, en su blog… hasta que el entrevistado interrumpe mis especulaciones y sólo puedo decírselas.

Sol: Estás dirigiendo los

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“4 Temporadas”: ¿Otra primavera?

“Nuestras criaturas no serán héroes de novela en varios volúmenes. Tendrán papeles cortos, lapidarios, carácter sin profundidad. Lo reconocemos francamente, no ponemos el acento sobre la durabilidad o la solidez de la ejecución. Nuestras criaturas serán provisorias, hechas para servir una sola vez” (Bruno Schultz, Tratado de los maniquíes o Segundo Génesis)

“Con unos maniquíes como testigos y confidentes, tres hermanos intentan salvar el negocio familiar de telas mientras su padre sufre una extraña mutación física”, ese es el argumento de “4 temporadas”, la obra de Pedro Sedlinsky que marca cada una de las temporadas con la introducción de “Las cuatro estaciones” de A. Vivaldi y con el cambio de la moda (léase con el cambio de la historia).

Dentro del argumento la obra contiene un nivel de opacidad en su discurso, que hace preguntarnos acerca de alguna de las puntas que la componen. La puesta retoma la poética de Bruno Schultz (1892-1942), novelista y pintor de origen polaco, que padece el nazismo con la invasión de Alemania sobre su país, en los primeros días de septiembre de 1939. Schultz estaba atravesado por el simbolismo y el expresionismo alemán. Esta tendencia artística es retomada

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“Un hueco”: Sueños rotos

Entramos al club, subimos por la escalera. Bullicio. Poca luz. Sandwiches (sanguchitos) y vino. No lo sabemos aun, pero asistimos a un velorio. Alguien murió y el pueblo asiste al evento pero, ¿por qué?

Se abre una puerta, pasamos, volvemos a ser espectadores.

Los tres amigos históricos del difunto se reunen en el vestuario. Entre las luces de tubo y los lockers vacíos, se rebelan contra el morbo de lo que hay ahí afuera. Pero, también, se esconden (o se refugian) de tener que enfrentar los hechos. Cada uno lo hace como puede… la muerte no viene con un manual de instrucciones.

Uno de los amigos anda rengo, el otro viene aporteñado (es el que dejó el pueblo y se fue a Buenos Aires) y el tercero tiene un pedo que apenas puede sostenerse en pie. Los une la muerte y el espanto (y ahora pienso en cuánto eso se repite en nuestra historia… pero divago…); la muerte del amigo que se fue antes de tiempo y el espanto por el circo que hay tras las puertas (no obstante lo cual eso no les impide calentarse con las meseras que sirven el copetín o espiar, en algún caso, en

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Del FIBA a Experimenta: Más preguntas (II)

FIBA 2009: Cambio de programación y descentralización

Le edición 2009 del FIBA, la primera con Rubén Szuchmacher y Alberto Ligaluppi a la cabeza, continuó con la programación como eje de acción. En lugar de apuntar a grandes compañías, se trajo a grupos menos reconocidos o en crecimiento. Temáticamente, se privilegiaron obras que tuvieran como eje conflictos sociales o político-históricos (al menos, en la selección internacional, mientras que en la local esto es más ambiguo). Por contraste, el “tanque” del FIBA 2007 había sido “Les Ephemeres” (con sus funciones de 6 y 8 horas), del Teatre du Soleil, ubicada en una narrativa más general. En cualquier caso, si se observan las primeras ediciones, el tamaño del evento se ha reducido considerablemente, teniendo en cuenta que, post devaluación, el presupuesto a nivel internacional no rinde de la misma manera que en las épocas del 1 a 1. Quizás, por esto mismo, me pregunto si el festival no podría / debería ser pensado de otra manera en vez de una versión “devaluada” de su original…

Hago recorte de lo que he visto y elijo “Diciembre” (Chile), de Guillermo Calderón y con el grupo Teatro en el Blanco, y “Hotel Splendid”

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Otro año, de paseo en Santa Fe. VI Argentino de Teatro

Del 4 al 8 de noviembre tuvo lugar, en la ciudad de Santa Fe, una nueva edición del Festival Argentino de Teatro, organizado por la Universidad Nacional del Litoral. La apuesta no deja de ser una decisión política: destinar fondos a un evento cultural es una apuesta, ideológica, a la cultura.

Esto me hizo retornar, una vez más, a pensar, repensar, o cualquiera sean los procesos mentales que se me despliegan cuando abordo lo político en conexión con lo cultural, más específicamente, política y teatro.

* Solía pensar que teatro y política podían conectarse solamente en las puestas del tipo panfletario, a la luz de la mayoría de las propuestas ocurridas en las décadas del 60 y 70. Mi paso por las aulas universitarias, y mi conocimiento de los movimientos de vanguardia, la disputa entre los grupos literarios de Florida y Boedo, por los años 30; su reflexión acerca de la revolución en el arte o el arte de la revolución, la importancia del contenido o la forma y otros tantos matices, ampliaron mi mirada hacia otros horizontes. Desde entonces, me acompañan algunas preguntas: ¿Se puede pensar el teatro, y el

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Proyecto Necrodrama: De vidas y de muertes

Hay algo peor que la angustia de la página en blanco. Algo peor que no tener historias que contar: es haber oído demasiadas y no poder olvidarlas. (Fabián Polosecki, 1993)

¿Cómo hacer para representar la muerte? ¿Cómo arribar a ella sin caer en el morbo, en la tragedia? Quizás una posibilidad sea hacer presente la ausencia de esos cuerpos, llevarlos a escena de uno u otro modo, a veces más teatralmente otras veces menos pero conservando siempre esa mentirosa esencia que promueven los mitos, esa imagen construida por medio de pequeños elementos que se resignifican hasta volverse partes imprescindibles de la persona. Hacer que la persona sea su personaje, que su vida pase a ser su escena y que su muerte sea parte de esta, como una extensión de su obra, o como transformarse en el arte y que lo tome por completo, lo invada y lo gobierne hasta hacer desaparecer la verdadera esencia, aquella a la que nunca tendremos acceso.

Partes de estas preguntas se plantea Eloy González en el instante en que se propone llevar a escena la muerte de distintas personas,

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“Una obra útil”: Preguntas

Gerardo Naumann, el director, comienza la obra desde dentro de la escena diciendo que todo lo que está diciendo y dirá a lo largo de la función, ya está escrito. Que él realiza la obra para probar algunas ideas, anotaciones, posibles acciones para la realización de una película, “Uruguay”, que parte de un diario íntimo que él compró a un cartonero allá por el 2006… En él, se desarrollaba una historia de amor que tenía a la autora del diario como protagonista (con quien el director confeccionó el guión de la película).

Busco notas o entrevistas que le hayan hecho a Naumann últimamente. Encuentro una en Clarín, donde me llama, sobre todo, la atención, la inclusión del término “mercado del arte” y de la idea de que una obra se vende o no se vende. Me pregunto si Naumann realmente orienta la producción de su obra en función de ser considerado original y consumible y qué significaría esto último en el caso de una poética como la que propone “Una obra útil”.

Entro también al blog de Naumann, donde encuentro la información de su taller de dramaturgia junto a posts personales. En ambos, leo múltiples

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