entrevista.breve. YANINA LEONARDI

esta me gusta, pero quizas es muy chiquita

Buscando material para un artículo acerca de la Cía. de Funciones Patrióticas encontré una nota con un comentario de Yanina Leonardi en el que resonaban las preguntas que me estaba haciendo y en un principio la contacté con la intención de hacerle alguna pregunta… que finalmente fueron unas cuantas … que finalmente fueron esta breve entrevista.

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“La idea fija”: “Ese claro objeto del deseo”

Una gota de sudor se desliza por un cuerpo desnudo que arremete contra el piso en una insistencia tenaz, presionando por penetrar lo casi impenetrable. Una animalidad que exuda y que confunde junto con sus cabellos artificiales y nos coloca en el lugar del observador expectante, curioso, a la vez que descubierto, en ese mirar impropio.

“La idea fija”, despliega toda una investigación acerca del sexo llevada a un lugar paródico, donde los cuerpos ejecutantes toman distancia de lo ejecutado a través de distintos recursos como la mecanización del movimiento, la canción y el uso de elementos teatrales. Movimientos, a la vez, que oscilan entre lo referencial y lo abstracto dentro de esta construcción hiperbólica.

A la mecanización y la exageración también se le suma la repetición, elementos estructurantes de la composición de esta obra. Estos recursos son muy utilizados en la comedia, por lo que la risa aquí también se vuelve inevitable. Y ésta no opera como cierta forma de catarsis, como sucedía en “El lobo”, obra dirigida e interpretada por Pablo Rotemberg, donde la angustia que despertaba era expurgada, en muchos espectadores, a través de la risa. Es decir que, más allá del

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“Mariano Moreno y un teatro de operaciones”: Luchar por un mundo posible

En el fondo, una pantalla. En el inicio, el mar en el que murió Mariano Moreno y en el cual se lo sepultó.

Una obra dentro de una obra dentro de una obra. El escritor escribe, mientras los personajes representan ser actores representando y entrando en conflicto… no, mostrando el conflicto… el conflicto de la historia que busca ser narrada. Y quien narre la historia, está también plantando semillas para el futuro.

Excursus… de chico, no recuerdo a ningún niño que dijera que quería ser San Martín o Belgrano. Sí, teníamos actos escolares – yo participé en algunos de ellos -, pero lo que decíamos y exponíamos rara vez se planteaba como algo vivo que nos afectaba y, más bien, era algo con tufo a naftalina que hablaba de cosas que no importaban. En cambio, en nuestro vecino del norte te queman la cabeza con los purretes que sueñan convertirse en futuros George Washingtons y Thomas Jefersons. Pero la cosa no es tan lineal…

¿Qué pasaría si contáramos la Revolución de Mayo a través de Mariano Moreno?

“Quien controla el pasado, controla el presente. Quien controla el presente, controla el futuro”, circulaba por “1984″, el

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“AMAR”: Una cuestión de intereses en primer plano

Una noche, un reencuentro, tres parejas. Amor, desamor, agobio, culpa, envidia, celos, y nuevamente amor, sólo que un poco más destartalado que al principio. La locación: una fiesta en algún lugar de la costa. La playa como escenario virtual que nos llega mediante el ruido de las olas. Todo sucede allí, en la oscuridad de la noche; los intérpretes, manipulando ellos mismos la iluminación puntual y suave, van construyendo espacios y miradas.

El aparato teatral se construye y devela ante nosotros. Los actores hacen y deshacen en la oscuridad. Las escenas se vuelven cinematográficas al poner en primer plano los rostros y las acciones. La oscuridad permite construir cada momento como un detalle en sí mismo, hacia donde nuestra atención se dirige. Mirar más allá del halo que forma la luz sería mirar hacia la nada. La atención-dispersión propia del teatro se reduce, y adquiere la dirección-puntuación del género cinematográfico.

Todo transcurre en una noche, donde las miserias se exponen mediadas por las historias del pasado y el peso de los vínculos que unen a estos amigos. Las parejas presentan una armonía que sólo es una fachada que ellos mismo se proponen sostener para poder seguir

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“Todos eran mis hijos”: Sin salida aparente…

La Guerra (la Segunda). Un hijo ha muerto. No, corrección, ha desaparecido. Un hombre, su padre, ha invertido toda su vida para construir y mantener un negocio. Otro hombre, su hermano, es el heredero del negocio, aunque no lo quiere, y es el que lleva la carga de ser “el que sobrevivio” y el que ha visto el horror y ha vuelto, no para contarlo, sino para darse cuenta que en su barrio nada ha cambiado (o que prefieren olvidar, o hacer de cuenta que no pasó nada, y seguir adelante con su cotidianidad). Una mujer, la madre, recuerda todos los días, obsesivamente, compulsivamente; es necesario esperar al hijo, nada debe moverse de su lugar. Otra mujer, en su momento la novia del que no está, llega para confirmarle al que sí está que el amor que el siente por ella es correspondido. Otro hombre, ausente pero vivo, el padre de la segunda mujer, lleva otra carga: la de estar preso por un crimen del cual puede o no ser responsable en su totalidad, relacionado a su vez con la muerte / desaparición del que no está. A todos ellos los rodea una recuperada normalidad que va a estallar

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“Absentha”: Poesía bajo consigna, antes y después del ajenjo

“Embriáguense.

Con poesía, con vino o con virtud.

Como quieran

Charles Baudelaire

Atención los que creímos que estaba todo dicho (escrito) en poesía.

Recomendación: visitar ABSENTHA. En absoluto estado de sobriedad.

Visitar en horario nocturno aula de escuela pública. Terminadas las vacaciones, tres hombres vuelven a encontrarse. Tallerarán poesía.

(Balde de almejas) Uno habla de cosas simples. Otro de patria y amor.

No pueden evitar ser poetas.

Se nota.

Docente venido a peor. Scotch on the rocks.

Y falta alguien. Falta. Si. Se despidió. Haiku invertido, o una consigna que se pierde en el desierto.

Poesía socioamorosa. Polipoesía con base rítmica. Poxirán, social y popular.

Quedaron tres.

Poéticas compaincompatibles.

Oliverio Girondo tuvo su Croquis en la Arena. Otro, allí, en el aula, décadas más tarde, su oda al anotador playero, que te habrás caído en la mar salada. Oleaje punga.

Milk Man de vanguardia obscena.

Permitite rimar. Permitítelo.

Clase tras clase. Repetidamente.

Sopor de poesía banal, berreta. Pretenciosa.

Es natural que escriban mierda. Es epocal.

Por suerte existen elíxires. En todos los tiempos. Hay un hada verde que vive en el ajenjo.

Algo

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“Las sirvientas”: La representación de la representación de la representación

Nora Goldberg, la misma directora de “El desafore”, actualmente lleva a escena “Las sirvientas”, de Jean Genet en Puerta Roja los viernes a las 21hs. La puesta en escena retoma el mundo carcelario que el propio Genet padeció. Para dar cuenta de ese mundo tres actores encarnan los roles del mundo carcelario, y son esos personajes (los dos presidiarios y el preso de mayor rango) quienes representan a los personajes femeninos de la obra: Solange, Clara y la señora.

Esta puesta, que incorpora la representación dentro de la representación (algo que se incorpora incluso desde la dramaturgia), a partir de las lecturas provocadas por los propios personajes, plantea en ambos espacios las relaciones de poder entre la señora y sus criadas por un lado, y entre el preso de mayor rango y sus prisioneros por el otro. Esto hace que el espectador decodifique los diferentes elementos que propone la obra.

Por ejemplo, se observan una gran cantidad de hojas tiradas en el espacio de la celda, estas pueden ser triplemente interpretadas, entendiendo que representan los escritos inéditos de Genet, la miseria de la celda, y/o el material que las criadas utilizan

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“Un hueco”: Sueños rotos

Entramos al club, subimos por la escalera. Bullicio. Poca luz. Sandwiches (sanguchitos) y vino. No lo sabemos aun, pero asistimos a un velorio. Alguien murió y el pueblo asiste al evento pero, ¿por qué?

Se abre una puerta, pasamos, volvemos a ser espectadores.

Los tres amigos históricos del difunto se reunen en el vestuario. Entre las luces de tubo y los lockers vacíos, se rebelan contra el morbo de lo que hay ahí afuera. Pero, también, se esconden (o se refugian) de tener que enfrentar los hechos. Cada uno lo hace como puede… la muerte no viene con un manual de instrucciones.

Uno de los amigos anda rengo, el otro viene aporteñado (es el que dejó el pueblo y se fue a Buenos Aires) y el tercero tiene un pedo que apenas puede sostenerse en pie. Los une la muerte y el espanto (y ahora pienso en cuánto eso se repite en nuestra historia… pero divago…); la muerte del amigo que se fue antes de tiempo y el espanto por el circo que hay tras las puertas (no obstante lo cual eso no les impide calentarse con las meseras que sirven el copetín o espiar, en algún caso, en

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“El ardor”: Entrañas argentinas

El ardor - Ricardo Holcer

El ardor de las vísceras tras un locro abundante que hace explotar al protagonista. Un mecánico atravesado por la historia argentina y su mestizaje. A grandes rasgos la obra de Ricardo Holcer, es un camino escabroso y suculento que deja a carne viva los discursos políticos de un país golpeado y reprimido. Un país tan crucificado por los mismos nombres disfrazados una y otra vez. Un país que come compulsivamente un locro viejo, a pesar de su estado putrefacto, como signo de su idiosincrasia.

Y en medio de ese panorama, el discurso paternalista que doblega la opinión, el discurso de una madre abnegada y ultrajada, arrollada por una historia sin tierra, arrollada por la masacre sistemática. Y entonces el resultado: un obrero a medias, un obrero que no se termina de constituir como clase, porque cada vez que quiere arrancar su maquinaria, metafórica y literalmente, se corta la luz. Un obrero que nunca llega a protestar por el mismo, uno que se encuentra manipulado por mil quinientos patrones.

Ese es el ardor. La necesidad exasperante de salir de un ring en el que el contrincante no tiene un rostro preciso.

Con esa historia el director propone una puesta que

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Revisión del Panorama en Work in Progress, o breve recorrido por el teatro que vendrá (C.C. Rojas)

El ciclo Panorama en Work in Progress, curado por Matías Umpierrez que se llevó a cabo en el Centro Cultural Ricardo Rojas, dio en su tercer año un paneo sobre el teatro independiente que será visto en Buenos Aires en los próximos meses. En este tercer año, ofreció a doce directores (Fabián Bril, Natalia Casielles, Cristian Drut, Bárbara Francisco, Pablo Iglesias, Miguel Israilevich, Valeria Junquera, Francisco Lumerman, Gonzalo Martínez, Cecilia Rainero, Juan José Santillán y Gustavo Tarrío), que se encuentran en diferentes etapas de sus carreras, algunos comenzando a armarlas, otros ya con una mayor trayectoria dentro del circuito del teatro independiente de Buenos Aires.

En la conferencia de prensa, que se realizó en el Centro Cultural, explicaron que entienden al ciclo como a un espacio de experimentación y de ajustes, de prueba y de error. Por este motivo llevaron a escena sus diez espectáculos, aún no finalizados, tales como: “Amen” (Bril), “Atlántica Sara” (Santillán), “En tus últimas noches” (Lumerman), “Florencia Frutera” (Junquera-Tarrío), “Hijo con mochila de viaje” (Iglesias), “Los actores son irremplazables, como las personas” (Martínez), “Me

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