entrevista CIA. DE FUNCIONES PATRIÓTICAS : “Revisar la historia o restaurarla es trabajar con los relatos conservadores de los hechos”

Cia de Funciones Patrioticas

¿Qué es el teatro político? ¿Es correcto vincular siempre la idea de debate y acción al teatro político? ¿Qué pasa con las intenciones, con los efectos esperados por los artistas? Más allá de las intenciones, ¿qué incidencia tiene el contexto – la fecha de la función, la recepción, el contexto social en general- sobre una obra?

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“Mariano Moreno y un teatro de operaciones”: Luchar por un mundo posible

En el fondo, una pantalla. En el inicio, el mar en el que murió Mariano Moreno y en el cual se lo sepultó.

Una obra dentro de una obra dentro de una obra. El escritor escribe, mientras los personajes representan ser actores representando y entrando en conflicto… no, mostrando el conflicto… el conflicto de la historia que busca ser narrada. Y quien narre la historia, está también plantando semillas para el futuro.

Excursus… de chico, no recuerdo a ningún niño que dijera que quería ser San Martín o Belgrano. Sí, teníamos actos escolares – yo participé en algunos de ellos -, pero lo que decíamos y exponíamos rara vez se planteaba como algo vivo que nos afectaba y, más bien, era algo con tufo a naftalina que hablaba de cosas que no importaban. En cambio, en nuestro vecino del norte te queman la cabeza con los purretes que sueñan convertirse en futuros George Washingtons y Thomas Jefersons. Pero la cosa no es tan lineal…

¿Qué pasaría si contáramos la Revolución de Mayo a través de Mariano Moreno?

“Quien controla el pasado, controla el presente. Quien controla el presente, controla el futuro”, circulaba por “1984″, el

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“Yo soy Fijman”: Buscando a Fijman

Lo que queda de uno cuando uno ya no está es lo que los demás recuerdan. El uno de verdad, el original, ya se fue, y lo que lo sobrevive es el relato, la memoria, a veces la leyenda. Uno pasa a ser un personaje y, como tal, se trasciende a sí mismo y se transforma en otra cosa. Si el relato es bueno, en algún punto, ¿importa realmente si uno existió? Por eso también la importancia de un buen relato y de que no hay narradores inocentes…

Tenemos a cuatro personajes en escena (escena en la que estamos todos distribuidos al estilo tertulia, en mesas y con correspondientes copas de vino servidas; para los abstemios, bebidas sin alcohol): dos hombres que plantean haberse puesto la labor de escribir una obra sobre el poeta Jacobo Fijman, un músico y un personaje femenino que sobrevuela cual fantasma el espacio interviniendo periódicamente; hay otro también que hace apariciones y se ubica más en el registro de narrador, del “contador de historias”, pero también de una suerte de entrevistado por un invisible periodista (el también poeta y amigo de Fijman, Vicente Zito Lema). La descripción está acá simplificada,

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Entrevista a Mónica Cabrera: “Tenés el poder, cuando tenés el humor”

Ya había comenzado el fresco. Llegaba con tiempo. Pasé por el kiosco a comprar pilas para el grabador (mi fiel y barato MP3 a prueba de balas y que, por alguna razón que desconozco, no acepta pilas Duracell). Mientras repasaba con los ojos chocolates, alfajores, caramelos, galletitas y demás – sólo para luego no llevar nada -, seguía pensando diferentes formas de encarar la entrevista. Es algo que siempre hago, de obsesivo nomás, darle vueltas al asunto hasta el último momento.

Ahora más gente la reconoce gracias a sus roles en “Tratame bien” y “Malparida”, pero Mónica Cabrera viene laburando desde hace mucho: entre otras cosas (también tuvo su programa de radio, al que vale la pena echarle una escuchada), el año pasado publicó su primer libro, una antología de sus monólogos, que tienen sus orígenes hace diez años, lo cual a su vez dio pie a la “Maratón Cabrera”, donde por diferentes salas han ido rotando las obras incluidas en la antología.

Cabrera se sentó del otro lado de la mesa y fuimos de 0 a 100 sin escalas. El humor es la constante – en

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Entrevista a Lola Arias: Mi vida después

Un biodrama que parte de la vida de seis actores, hombres y mujeres que tratan desde su generación conocer su identidad. Una identidad coartada en el terror de la dictadura del ’76. Estos hombres y mujeres se envuelven en la ropa de sus padres para tratar de comprenderlos, de acercarse, de un modo más o menos trágico, a sus vidas. Entonces, surgen no sólo padres desaparecidos en la dictadura, sino también padres partícipes de la misma. Así, “Mi vida después” de Lola Arias, plantea la crudeza de tener que reconocerse en sitios donde no gustaría haber estado. Y apunta al centro del pecho como un fuerte acorde musical que nos sacude, como un solo de batería que revienta y nos provoca gritar sobre lo roto.

“Mi vida después”, podrá ser una obra excepcional por su puesta, por la propuesta del vestuario, por la credibilidad de los rostros, por la realidad de lo dicho, por los efectos de imagen que logra con los diferentes niveles de espacio que maneja, por la dinámica que genera en el relato de las historias, pero es una obra excepcional porque nos nombra y renombra desde adentro, porque en la crítica a aquella

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“Lovely Revolution”: 200 años antes del después

Enrique Papatino, quien ya había realizado puestas históricas como “París en aguacero” -en la que repasa el mito de San Martín en sus últimos días en Francia“De sobornar al olvido” – en la que trabaja con la figura de Castelli desde la mirada de la mujer- y que tiene proyectado realizar una puesta sobre Belgrano, lleva a escena “Lovely Revolution”, una tertulia de teatro musical que estudia y recorre con realidad y ficción la vida de Mariano Moreno, los momentos previos a su asesinato en el mar, su relación con Guadalupe Cuenca y su relación con algunos de los integrantes de la Primera Junta a quienes no sólo no nombra, sino que además se aventura a crear con nuevos nombres como Pedrosa .

La puesta en escena se desarrolla en varios espacios como la jabonería de Vieytes, el salón de Mariquita Sánchez y altamar, incorporando a esos espacios los discursos de Moreno provenientes del Plan de Operaciones, plan que fue históricamente manipulado por Mitre, pero que en su composición proponía medidas extremas para evitar la intercepción de

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“Pieza para pequeño efecto”: Perforando la cuarta pared

¿Como construir un pequeño efecto? (Paso uno) ¿Que realizar con ese pequeño efecto? (Paso dos). El punto es sólo el comienzo, el objetivo es la desintegración absoluta del intérprete en miles de partículas.

La obra se propone como un juego meta-textual, donde a través de la reiteración de la misma escena en distintos formatos (la escena, el video), se vuelve sobre los pasos del proceso creativo para volver a construirlo y exponerlo cada vez. El tema es sólo una excusa.

Los distintos niveles que se despliegan en este juego resultan de la exposición tanto del material como de los intérpretes. Fabián Gandini se dirige a nosotros, a la vez que presenta el proceso de construcción de este pequeño efecto, y se presenta a sí mismo como intérprete de la representación. Germán Cunese opera las luces y asiste a a Fabián durante la construcción del efecto. Entre estos diferentes niveles se teje una delgada línea que, por momentos, se confunde generando una vuelta sobre la representación misma que busca descomponer.

¿Es realmente tan delgada la línea que nos separa de la representación?

Cuando los intérpretes se presentan ante nosotros, el corte entre lo cotidiano y lo espectacular parece no existir,

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“La Plaza del Diamante”: Y a pesar de todo, los pájaros siguen volando

Una mujer sentada en un banco de plaza cuenta, o recuerda, o algo así… Pienso en “Harina”, la de Román Podolsky. Sin embargo, aquella era una mujer que bien podía ser un fantasma que se negaba a partir, que era el rastro de lo que alguna vez había estado allí. Esta mujer, al contrario, quizás se anima a “estar” por primera vez y, por eso, necesita desesperadamente narrarse. Por eso habla y no puede parar, no quiere, por primera vez…

Está sentada en una plaza, aquella donde, probablemente, haya comenzado todo para ella. La luz baña la escena, suave, amable. Las hojas caídas y la tierra la rodean. Para poder irse, a veces es necesario primero volver…

Es el relato de una vida llena de penas y sufrimientos pero, sobre todo, de silencios (¿miedos quizás? no estoy seguro…). Es la historia de una vida donde el cuerpo de ella nunca fue asumido como propio, y los hechos, por más terribles que resultaran, fueron tomados como naturales. Es en los gestos pequeños, como el de comer medio caramelo para terminar la otra mitad más tarde, o en los hombros que siguen tirando para adentro, donde se

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“El club de las bataclanas”: No nos olviden

Según la definición de la todopoderosa y sabia Wikipedia: “La palabra bataclana aparece en 1922, tras la llegada a Buenos Aires de la compañía teatral parisina Bataclan.

En los espectáculos, las coristas vestían con escasa ropa y se las relacionaba con una vida disipada, lo que provocó que a las mujeres de vida liviana, se las llamara despectivamente “bataclanas”.”

Bataclana, 2009, café concert, mozos yendo de aquí para allá. La gente va llegando. La hora de comienzo, previsiblemente, se va pateando para delante. Todos, o la mayor cantidad posible de los asistentes al espectáculo, tienen que poder hacer su pedido.

Los personajes de Mónica Cabrera no están aislados. Es decir, hay una conexión entre todos ellos. Personajes femeninos fuertes, impregnados de historia, de marcas personales y culturales. No son estereotipo, sino arquetipo que aparece detrás de la estructura de humor.

Los cuadros que siguen a continuación son los de un grupo de mujeres que intentan recauchutar la gloria perdida de este “club de bataclanas”. Rengas, rotas, fumadoras, posesivas, tímidas, con tics pintorescos. Orgullosas, tímidas, bizarramente sensuales. Se narran para el público… Es que una licenciada en Marketing les

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“El peor de los públicos”: Cuando el teatro y la muerte se parecen

Prosigamos, si dios quiere, nuestro camino de dios pues siempre se dice adió y una sola vez se muere

Raúl Gonzáles Tuñón

Parece ser que existe un ¨diccionario de la muerte¨. Allí, se define a la tanatoestética como el conjunto de prácticas de conservación de los cadáveres, a corto o a largo plazo. Esto es, ¨lookear¨al muerto para su velatorio a cajón abierto, o embalsamarlo.

A eso se dedica Atilio, sólo que no sabe que así se llama su oficio. Se define como una especie de artista de la muerte, y llama carniceros al resto de sus colegas. La tanatoestética es una propuesta agregada a los servicios fúnebres, presente en casas velatorias de determinado estatus. Arriba del taller de Atilio están las salas donde los muertos recibirán el adiós de los suyos. Pero, a juzgar por el sótano en el que este español cabrón trabaja, podríamos poner en duda la categoría del lugar: un sótano muerto (por supuesto) de pocas dimensiones, techo bajo y olor a rancio. Ahí dentro pasa sus días el protagonista de la obra, viendo pasar y pasar cuerpos sin vida, sobre los que intervendrá para que lleguen decentes

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