Teatro
Proyecto Alep-Uruk –
Digidramamancia
"Hacia una nueva gramática performática"
Teatro
DIGIDRAMAMANCIA no posee argumento
previo, al explorar las intervenciones del azar en la creación
y el hecho de que toda obra de arte cobra sentido en el espíritu
del observador, intenta poner de manifiesto y en primer plano
este fenómeno, potenciando la "Dramaturgia del Espectador".
El diseño de una nueva
gramática (GEP ó Gramática de Eventos Performáticos)
permite que el guión, tanto dramático como musical,
sea generado partiendo de principios diferentes como el Determinismo,
la Aleatoriedad, o la Teoría del Caos. DIGIDRAMAMANCIA,
ó "Arte de adivinar el drama escrito en las huellas
digitales”, ocupa dentro del "Proyecto Alep - Uruk"
el momento dedicado a la Aleatoriedad, en este caso el guión
es generado a partir de la lectura de las huellas digitales de
entre uno o más de los asistentes al evento. Por lo tanto,
de cada nueva lectura de huellas es posible obtener un guión
original, que al ser transmitido y ejecutado en tiempo real por
actores y músicos, dan vida a una obra que ofrece en cada
nueva intervención "nuevas posibilidades de relación
y nuevos horizontes, por lo tanto, de sugestión".
Integrantes
del grupo
José María López
- Director Artístico
Fernando García – Director de Tecnología
Sergio Bulgakov - Músico
Bárbara Hayes - Actriz
Pablo Di Pascuo Gal - Actor
Eugenia Bugani - Actriz
María Sol Suarez - Actriz - Escenógrafa
José
María López
Director, Profesor e Investigador Teatral. En 1979 comienza sus
estudios en Argentina. Egresa de la "Escuela de Mimoteatro
Roberto Escobar-Igon Lerchundi" y forma parte de su compañía.
Reside
en Francia entre1983 y 1989. Egresado de la "Ecole Internationale
de Mimodrame de París-Marcel Marceau" y de la "Ecole
de Formation Theatral Philippe Gaulier-Mónika Pagneux".
Trabaja también en ese periodo junto a maestros y directores
como, Ettienne Decroux, Marcel Marceau, Maximilien Decroux, Gerard
Le Breton, Yves Cassati, Edmonde Tamiz, Mas Soegang, Ludwik Flaszen
y Ariane Mnouchkine Como actor integra el "Atelier Intenational
de l´Acteur" y protagoniza "Le Serpent Noir"
y "La Nuit De L´Hidrellez" y participa en giras
y festivales en París y Avignon. En Bali, Indonesia, estudia
Topeng (danza con máscaras), Gamelan (música), Wayang
kulit (teatro de sombras). En 1989, regresa a Argentina y forma
su propia compañía "Kumis Teatro" y pone
en
escena "Kalhedan" (1990), "Dewanee" (1992),
"Antigona" (1994) "Tres y Medio, Interiores"
(2003).
Participa y es premiado en
los siguientes festivales: "Primer Festival Mercosul de Teatro","
III Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires", "Fiesta
Nacional del Teatro 96". Desde 1993 forma parte del staff
del "Internatinal Vocal Art Institute"(IVAI), como Stage
Director y Acting Coach. Regiesseur de Operas y musicales, "La
serva padrona" (1993), "Los cuentos de Hoffman"
(1993) y "Jesucristo Superstar" (1995), "2 Saxos2"(2004)
en Argentina, Israel y Uruguay.
Fernando Daniel García
Programador Superior, Master’s of Science in Computer Science.
Sólida formación académica y amplia trayectoria
profesional integrando e implementando nuevas tecnologías.
Participación en Genetic and Evolutionary Computation Conference.
Más de 20 años de experiencia en desarrollo de software
de calidad. Más de 10 años de experiencia en la
dirección de equipos de desarrollo de software orientado
a objetos. Consultor contratado por la UE para el proyecto GAIA
"A Multi-Media
Tool for Natural Resources Management and Environmental Education,
Scientific and Technological Cooperation with Developing Countries"
(Plataforma Internet/Java ). Profesional Principal del CONICET.
Ha desarrollado individualmente y dirigido grupos de desarrollo
en las
siguientes áreas: Aplicaciones Web, Multimedia, Sistemas
Expertos, Aplicaciones Distribuidas, Base de Datos. Fernando García
colabora con Jose Maria López y el grupo Kumis Teatro desde
1991.
El Aprendiz
Teatro
Se trabajará fundamentalmente
sobre dos aspectos: El diseño de voces y banda sonora de
la obra y el proceso en vivo de sonidos propios de cada función.
En este sentido, se tomará un registro del vivo sonoro
emitido por cada actor, un registro de su ritmo, sus tiempos,
sus aceleraciones y desaceleraciones físicas durante la
función, se procesarán y reinsertarán en
el desarrollo de la obra y funcionarán "como un actor
más".
Se configurará un perfil
de sonido específico de cada personaje en los diferentes
momentos de la obra, e instalará un sistema cuadrafónico
de sonido a fin de incluir al público e integrarlo, de
esta manera no "se asistirá a la obra" sino que
"se estará dentro de ella".
Se creará una base
de sonidos periféricos (lluvias, campanas, voces, sonidos
terrestres, cibernéticos, etc) y dispararán durante
la función a modo de Dj, considerándolo a éste
como un elemento actoral "vivo" y espontáneo.
Se logrará de esta forma dar el sentido de ubicuidad propio
de los distintos momentos de la pieza, y utilizarlos como transición
entre el espacio real y el mental.
Entendemos que nuestro aprendiz
está vivo. Respira y cuando lo hace escuchamos ritmo, sufre
y escuchamos dolor, en su confusión escuchamos caos. Aquello
en apariencia inaudible, creemos,
será la resultante final de nuestra búsqueda.
Integrantes del grupo
Autores:
Pablo Shilton y Graciela Rodríguez
Elenco: Luis Manzini, Alfredo Rizo, Julio Luparello, Jorge Vigetti,
Leticia Torre.
Diseño de sonido, samplers y programación: Pablo
Luparello
Arte electrónico y diseño de luces: Fabián
Mercado
Vestuario y maquillaje: Creación grupal
Efectos visuales: Norberto Finale
Asistente de dirección: Cecilia Uhia
Concepción, puesta y dirección general: Pablo Shilton
Pablo Shilton
Director y actor. Se ha formado en el Battersea Art Center (Londres-2002-2003),
International Art Group. (Londres- 2001), East-West performing
art dialogue. Universidad de Varanassi. India (Oct.-
Nov. 2000). Se formo también con los maestros Ricardo Bartis,
Augusto Fernández, Alejandra Boero. Entre su producción
como director se encuentra “Big Squad” (Londres. Performance
en teatro electrónico con el Colective DJ Groove), “EDW.
Results” (Resultado del East-West Dialogue patrocinado por
la Universidad de Varanassi. India), “El Huésped”
(Bs.As. Teatro electrónico. Cemento-Callejón de
los Deseos), “...O el sacrificio de la ley”. (Versión
multimedia de Antigona. Teatro del Globo), “Shikse”
Oliverio Mate Bar, “Madera de Reyes”: Meritorio de
dirección de Augusto Fernandes. Sala Martín Coronado
del Teatro General San Martín. También se ha desempeñado
activamente como actor en proyectos nacionales e internacionales.
Quietud inquieta
Performance – Teatro – Danza –
Video Instalación
La obra “Quietud inquieta”
consiste en un espacio escénico compuesto por dos instancias:
una video - instalación interactiva y una performance.
La video-instalación conforma un espacio vacío habitado
por espectadores, que en un momento determinado será la
escena que habitarán los intérpretes en una performance
de teatro-danza. Los
intérpretes forman cuerpos tangibles, presencias reales
que se integran dramáticamente con un entorno de imágenes
y sonidos: el espacio se fractura para dar paso a materias volátiles
que vienen de otros lugares.
El espacio está compuesto
una zona de imágenes suspendidas en espirales y una zona
amplificada mediante sensores piezo-eléctricos que captan
las vibraciones de suelo (generando el sonido y creando datos
que toma una computadora para modificar las imágenes).
Un territorio habitado por unos personajes y por imágenes
que aparecen desde los intersticios del espacio. Se trata del
problema no sólo del lugar, sino de lo que acontece, de
las relaciones entre el
cuerpo y lo incorporal.
La acción dramática
consiste en el trayecto de un desprendimiento, alejamiento, multiplicación
y desmaterialización. Se pasa de la máxima presencia
física del cuerpo, a la ausencia. A medida que la performance
se desarrolla, los cuerpos se acercan a las espirales viendo sus
cuerpos desaparecer entre las imágenes.
El espacio se va habitando
de otras presencias mientras el cuerpo de carne y hueso lo deshabita.
Oscila entre estar en él o lejos de sí en un viaje
que lo lanza fuera de sí mismo, fuera de las previsiones,
fuera de su eje, fuera del universo de su propia realidad: estar
frente a lo que se ha perdido y en la anticipación de lo
que nos espera. La transformación: es el devenir siempre
otro en un juego de múltiples apariciones sucesivas.
Integrantes del grupo
Dirección
escénica: Adriana Barenstein; Intérpretes: Sergio
Pletikosic, Julia Quintiero; Dirección
Audiovisual: Christian Parsons; Diseño sonoro: Juan Pablo
Amato; Diseño de imagen: Alejandro
Borsani, Paula Spagnoletti, Celina Otero-Monsegur.
Idea: Adriana Barenstein, Sergio Pletikosic y Christian Parsons.
Adriana Barenstein
Lic. En Filosofía (U.B.A.), se formó en
danza y teatro en Argentina y Estados Unidos, en Dirección
Teatral con Augusto Fernández (Argentina) y Guillermo Heras
(España), Eugenio Barba (Estados
Unidos) y Entrenamiento Corporal con Víctor Bruno, Villanueva
Cosse, Daniel Brook (Canadá), Pino Di Padua (Italia) y
Cristina Moreira. Ganó la Beca de Perfeccionamiento Académico
del Gobierno de Canadá (Programa FEP), recibió el
premio PIPIUS a la creación, otorgado por el
Gobierno de Serdegna, Italia, a la obra “...Y estaba todo
tan tranquilo”, y realizó en el Diario LA RAZON labor
periodística como Crítica de Espectáculos
(1984 / 1986). Trabajó como Directora del Departamento
de Teatro Danza del Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA), creó
los Talleres Abiertos y la Escuela de Teatro Danza de la UBA y
se desempeño como Directora de la Escuela Municipal de
Teatro de San Miguel – Pcia. de Buenos Aires. Cómo
docente fue invitada por la Asociación per a la Reserca
Educativa de les arts escéniques en Barcelona a dictar
el seminario de Teatro Danza: “Aproximación a Francis
Bacon y Samuel Beckett como fuentes de producción de obra
en teatro danza”, participo como Titular de la Cátedra
Composición y Taller Coreográfico en Danza en el
Instituto Universitario Nacional de Arte, dirigió la “Escuela
de Danza Teatro” del Centro Cultural Borges, se ha desempeñado
como docente en la Universidad Nacional De Córdoba, Universidad
Nacional de Cuyo, Instituto Nacional de Administración
Pública, Universidad Nacional de General Sarmiento, Escuela
Nacional de Danzas y Universidad Nacional de San Luis. Como Directora
ha
realizado la puesta en escena de más de 20 espectáculos
realizando giras por Europa y Estados Unidos.
Actualmente coordina en el
C.C. Borges grupos de reflexión y experimentación
escénica, con participación de especialistas de
diferentes disciplinas, reunidos alrededor de la discusión
acerca
del hecho escénico. Coordinadora del programa cultural
El Subte Vive de METROVIAS, creando obras de teatro danza especialmente
diseñadas para las estaciones de subte de Bs. As Christian
Parsons
Egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido (UBA).
Su actividad se orienta a las artes audiovisuales y multimedia,
y a la docencia. Recibió un subsidio de la Fundación
Antorchas y fue
becario de cheLA. Su producción abarca video, instalación,
intervención urbana, audiovisuales para danza y teatro,
net art.
Alejandro Borsani
Estudiante del último año de la carrera
de Diseño de Imagen y Sonido (UBA). Su formación
incluye estudios en música contemporánea, análisis
del arte y filosofía. Fue asistente de diversos artistas.
Desde 2001 su producción se concentra en el video arte,
las instalaciones de video, las instalaciones sonoras, la performance,
el modelado 3D y el diseño web.
Juan Pablo Amato
Estudió música y composición en
el Centro de Estudios Avanzados en Música Contemporánea,
donde obtuvo una Licenciatura en Música. Desde el año
2003 se dedica al diseño sonoro y la composición
musical para teatro, audiovisuales e instalaciones.
Proyecto Hóseo: pieza
para espalda
Instalación
Performance interactiva que
simula la sonoridad del cuerpo humano a través de la captación
en tiempo real. Las interfaces analizan las señales mecánicas
y articulares del cuerpo de la performer,
transformándolas en paradigmas computacionales. Las devuelve
en secuencias sonoras que comprometen de manera privilegiada el
sistema auditivo y visual del espectador.
Sobre la obra propuesta: ¿Por
qué el cuerpo no suena? ¿Por qué sus partes,
ciertas partes no se constituyen como instrumentos sonoros, y
uno operar como orquestador de semejante máquina? El cuerpo
como generador de la obra sonora, potencializa las señales
físicas, transformadas y transmitidas como evento sonoro
y lumínico. Un cuerpo como una máquina intervenida
desde su superficie exterior, multiplica su capacidad de afección
y conexión, naturalizando lo artificial como modelo de
sensibilidad, inteligencia y capacidad comunicativa y expresiva.
Descubrir a través
del comportamiento visible del cuerpo aquello que no está
visible, un mecanismo sensorio perceptivo, que lo guía
a la manera de un sonar.
Integrantes del grupo
Concepción General: Alejandra Ceriani
Creación de Base de Datos Sonora: Federico Mutinelli
Comenzamos a trabajar juntos
en una serie de improvisaciones explorando con la vocalización
para unas composiciones generadas por la voz del cuerpo. De esos
encuentros y del material provisto se promueve otra instancia
en donde la voz proporcionó material para que el cuerpo
dance. El cuerpo vuelve a generar sonidos y estos se vuelven música
otra vez, una retroalimentación en acto.
Nos interesan las condiciones
sonoras de la audición, involucrar al público desde
este aspecto perceptivo. Abordar el sonido por sí mismo,
mostrarlo localizado en el espacio y enmarcado en el tiempo. Nos
interesa indagar sobre la construcción de técnicas
de escucha integradas al espectáculo, sobre la constitución
de un espacio auditivo devenido en espacio escénico para
la performance de la danza.
Sonido y movimiento toman
al escenario como lugar de experimentación activa.
Interpretación Evento:
Julieta Ranno
Bailarina, docente y coreógrafa solista de danza contemporánea,
realiza un intenso trabajo de presentaciones en diversos escenarios.
Actualmente se encuentra trabajando bajo la dirección teatral
de Beatriz Catani en la ciudad de La Plata, explorando la incorporación
del movimiento a la interpretación actoral propiamente
dicha; en un Taller de Composición y Supervisión
Coreográfica con Susana Tambutti; e interpretando M. de
N., obra de danza contemporánea bajo la dirección
de Alejandra Ceriani.
Implementación: Emiliano
Causa
Reciente ganador de la Mención de Honor Premio Limbos,
“Proyecto Biopus-Sombras Vivas”, Instalación
Multimedia. Premio MAMBA/ Fundación Telefónica.
Dicta el seminario de Postgrado,
FBA, UNLP, “Nuevas tecnologías aplicadas a la creación
de instalaciones y performance multimedia”.
Ingeniero en Sistemas de Información, en la Universidad
Tecnológica Nacional (Regional La Plata). Auxiliar en la
Investigación "Desarrollo de Nuevas Interfaces en
Entornos Multimedia" a cargo del Profesor Carmelo Saitta.
Profesor Adjunto de la Cátedra "Informática
Aplicada", Carrera de Comunicación Audiovisual (Cine,
TV y Video).
Profesor Adjunto de las Cátedras de "Sonido Digital",
"Imagen Electrónica" y "Video Digital",
Carrera de Producción Multimedial.
Ayudante de la Cátedra "Práctica Experimental
con el Sonido", Carrera de Composición Musical. Auxiliar
en la Investigación "Informática y educación
musical" a cargo del Profesor Mario Arreseygor. Ayudante
de la Cátedra "Inteligencia Artificial", Carrera
de Ingeniería en Sistemas de Información.
Los Sueños de Teodora
Intervención escénica
Los sueños de Teodora
es una propuesta escénica multidisciplinaria que combina
el arte digital con la actuación, la danza y la poesía.
A modo de una serie de intervenciones, de 2 min. aproximadamente
cada una, se dispone cubículo blanco iluminado por la luz
de un proyector digital
donde la protagonista se encontrará encerrada. Su desafío
será emprender una serie de viajes por lugares extraños,
paisajes desconocidos y abstractos donde la luz y el sonido cobrarán
vida y le
depararán odiseas inesperadas.
En Los sueños de Teodora,
la utilización de la tecnología esta subordinada
al argumento previo de la obra. No hablamos de tecnología,
si hacemos uso de ella. Tecnología como herramienta
escenográfica (virtualidad). La proyección de una
animación en flash con leves variaciones de color y forma,
es la generadora de situaciones espaciales acotadas.
Autores: Grupo Monoambiente
Actriz: Violeta Naón
Escenografía y Arte Digital: Marcolina Dipierro
Producción y Asesoramiento creativo: Milagros Gallo
Dirección: Lorena Vega
Lorena Vega
Es directora, actriz y docente.
Como DIRECTORA trabajó en las obras: “Monoambiente”
Co-producción con C. C. R. Rojas.
“Festival Rojas 5”; Festival Arte en Progresión
C.C. Gral. San Martín (2003); Festival DIBA 04 organizado
por CMD (Centro Metropolitano de Diseño- Gob. De la Ciudad
de Bs. As.). C. C. Recoleta (2003)- Espacio Callejón (2004);
“Sujetos (a un brindis fraccionado)” Taller de producción
del C.C. Adanbuenosayres. Subsidio del I.N.T. Presentaciones en
Espacio K (2003); - Abasto Social Club (2004); “Nada que
ver con el amor”. Grupo Code. Dramaturgia Alejandro Quesada
(autor de Roja). Producción: Juan Bobillo. Presentaciones
en El Camarín de las Musas (2003)- Teatro IFT (2004).
En el rol de ACTRIZ pertenece
a Grupo Sanguíneo con quienes crearon “Afuera”
Dirección: Gustavo Tarrio. V Festival Internacional de
Bs. As; Festival de Porto Alegre; Festival de Rafaella Santa Fe.
Presentaciones en Teatro Del Abasto (2004) - C.C. Recoleta (2002).
Y “Capítulo XV”
con el mismo grupo Presentaciones en C.C. Recoleta - Teatro La
Cochera -Córdoba (2001); - C. C. Gral. San Martín
- C.C. Agronomía – Auspiciado por el G.C.B.A. (2000)-
Foro Gandhi (1999) - III
Festival de Teatro Internacional de Bs. As. (Propuesta periférica)
“Los invisibles” (cine) Telefilm. Dirección:
Lucía Puenzo (2004) “Luto” Por el grupo el
consorcio. Dirección: Daniel Cúparo. Presentación
en Teatro La Carbonera (1999) y “Anteboda”: Dirección:
Nora Moseinco. Presentaciones en CCR Rojas - Museo Eduardo Sívori
- Bs. As. No Duerme (1998) - Teatro La Carbonera (1997). También
ocupo el rol de Asistente De Dirección (como el de actriz)
en “Historia de un Amor Exagerado” Dirección:
Leo Dicen. Presentación en Teatro Payro (Co-Producción
Teatro M. Gral. San Martín) Premios:- ACE Mejor Espectáculo
Infantil 2001- Ganador Premio GETEA;-Ganador Festival Nacional
de Teatro Infantil de Necochea: - Mejor Obra; - Mejor Dirección;
Mejor Puesta en escena. (2001)
Como DOCENTE ejerció
en la USAL (Universidad del Salvador), Carrera de Arte Dramático.
Cátedra: Actuación - 2004: Profesora adjunta de
Ciro Zorzoli, 4to año. En la actualidad es Profesora adjunta
con Eduardo Pavelick de 2do año en dicha Universidad. También
desarrolla
tareas como Profesora en el IUNA (Instituto Universitario Nacional
del Arte Depto. Artes del Movimiento – Ma. Ruanova). Cátedra:
Expresión Corporal VI Profesora: Raquel Guido; C. C. Gral.
San Martín (2000-04); Artilaria. Cultura y Comunicación
(2004); Puerta Roja (2003-04-05); IMPA-La Fábrica Ciudad
Cultural (2000-03); El Camarín de las Musas (2001-02),
Estudio de Guillermo Angelelli (2000-02) C. C. Adan Buenosayres
- Parque Chacabuco (2001), C. C. Borges (1999-01)
C. C. Bertolt Bretch (Dpto. De Extensión Universitaria
Facultad De Filosofía Y Letras - UBA) (2000); Escuela de
Danza Teatro del C. C. Borges; Estudio de Nora Moseinco (asistente
1997-98 y prof. a cargo 1999-00).
En PRODUCCIÓN EN TV
se desempeño en tareas desarrolladas de edición,
co-conducción y coordinación general en “Magazine
For Fai”; Cablín (1996) con Dirección de Lucrecia
Martel (La niña Santa; La ciénaga); “Cronopios”
un Magazine de arte y cultura realizado por estudiantes universitarios
con Co–Producción TEA-IMAGEN. Cablevisión
Canal Ideas (1995/1997).
Violeta Naón
Es actriz y docente.
Estudió interpretación
con Ricardo Bartis, Augusto Fernández, Pompeyo Audivert,
entre otros. Es discípula del maestro de Clown Gabriel
Chamé. Fue docente de clown del Centro Cultural San Martín.
Dirige el Espacio Cultural Club Pedraza en el barrio de Núñez
Como actriz en teatro participa en: “Cuentos para un invierno
largo”, Compañía
Intimoteatroitinerante. Dir. Fernando Rubio. De gira por Roma,
Madrid y El Festival Internacional de Almada, Portugal en Junio/Julio
2004, “La Flauta Mágica” Ópera de Mozart,
versión clown Dir. Marcelo Katz, “Paria” de
August Strindberg. Dirección Héctor Díaz
. “Humor Violeta” Texto,
dirección, actuación Violeta Naón. Virasoro-Bar.
Varieté La tribu. Variete-K en el Espacio K. Paseo La Plaza.
Festival de humor Barilochense- Festival A x A San Martín
de los Andes, entre otras Trabajó como protagonista en
cine con: Dady Brieva en su opera prima como diector, Raúl
Perrone en las películas “Ocho años después”,
“Labios de Churrasco” “Cinco Pa´l peso”
, “Jimidin, un documental de ficción”, Ernesto
Aguilar en “El secreto de Julia”, Silvio Fischbein
en “Hasta
donde llegan tus ojos”, entre otras. Trabajó como
actriz en T.V. caracterizando personajes humorísticos e
interviniendo directamente
en el guión; en los programas: Venite con Georgina, Totalmente
Remixado, Viva la Diferencia, Nico, Infómanas, etc. Y en
programas de ficción participó en: La Niñera,
Doble Vida, Casados con Hijos, El sodero de mi vida, Campeones,
son o se hacen, Sin condena, entre otros.
Como Dramaturga trabajó
junto a Héctor Díaz en la adaptación de la
obra Paria, August Strindberg y guionando monólogos de
Humor. Además de numerosos trabajos de creación.
Marcelina Dipierro
Profesorado de Pintura, egresada de la Escuela Nacional
de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón" (dependiente
del IUNA dec.1404/96).
Desde Abril del 2005 asiste a la Clínica de obra dirigida
por Ernesto Ballesteros. Realiza el Curso “Últimas
tendencias del arte argentino actual” - Lic. Laura Batkis.
MALBA • Septiembre 2002. Asistió a la VI muestra
EUROAMERICANA de cine, video y arte digital. Agosto 2001. Tomó
cursos particulares de diferentes programas de animación,
edición de video y multimedia.
Muestras Colectivas
2005 Buenos Aires Digital, Centro Metropolitano de Diseño.
/ Barrio Joven. Línea Amarilla, ARTEBA, Predio Ferial De
Palermo. 2004 La Re-Colección, Museo de Arte Latinoamericano
de Buenos Aires – MALBA. / La Bibliote K en Red. Centro
Cultural de España. / “Salón Nacional”
Nuevos soportes, Palais de Glace. 2003 “ARTE EN PROGRESIÓN”
Encuentros sobre tecnología y experimentación artística.
Módulo1
- El centro como encendido y Módulo3 - Los futuros del
futuro – Centro Cultural San Martín.
Muestras Individuales
2002 "SILUETAJE" Dibujos digitales. SONORIDAD AMARILLA.
Otros 2002 Escenografía y arte digital. "Monoambiente"
de Vega - Naón - Setton. Obra de teatro experimental -
Co-producción "Festival del Rojas 5". Septiembre
2003 “Monoambiente" TEMPORADA 2003 - Sala Contemporánea,
Centro Cultural Recoleta.
2004 “Monoambiente" TEMPORADA 2004 – Espacio
Callejón.
Los siguientes artistas
realizaran instalaciones especialmente para este evento:
Paula
Gaetano
Licenciada en Comunicación Audiovisual. Su carrera
profesional se encuentra dividida entre la práctica artística
y la docencia e investigación desde el análisis
del discurso. Su reflexión y trabajo se centran en la cuestión
de la construcción de las identidades de género
y las representaciones femeninas en el arte tecnológico.
Gabriela
Golder
Artista audiovisual. Profesora de la UNTREF y de la Universidad
Maimónides. Fue artista en residencia en el Banff Centre
(Canadá), el CICV (Francia), la KHM y la Schloss Balmoral
(Alemania). Recibió numerosos premios por su obra, entre
otros, el Media Art Award del ZKM
(Alemania).
Proyecto
Biopus
El grupo Proyecto Biopus está conformado por artistas que
investigan el arte interactivo, explorando nuevas formas de relación
entre la obra y el público. Proyecto Biopus es un grupo
de docentes ligados al Departamento de Producción Multimedial
de la Facultad de Bellas Artes
(Universidad Nacional de La Plata - Argentina) y al .I.U.N.A.
(Instituo Universitario Nacional de Arte - Buenos Aires - Argentina).
Este grupo investiga (a través de la producción)
la relación entre el espectador (usuario, navegador) y
la obra.
El grupo fue fundado por Emiliano
Causa, Christian Silva, Tarcisio Pirotta y Julián Isacch.
Actualmente se ecuentra integrado en por Emiliano Causa, Matías
Romero Costas y Tarcisio Pirotta.
